sábado, 6 de noviembre de 2010

Cempasúchil: el perfume de las ánimas



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El nombre común "cempasúchil" procede de la palabra en náhuatl cempōhualxōchitl que significa "veinte flores", sin embargo en nuestro país y en diversos lugares de latinoamérica, es bien conocida como "flor de muertos" por su uso tradicional en las celebraciones del Día de Muertos.

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Esta celebración mexicana es de origen prehispánico, en la que se honra a los difuntos el 2 de noviembre. Con la llegada de los españoles en el siglo XVI, se dio lugar a la mezcla de tradiciones tanto nativas como europeas. Entonces se hizo coincidir el ritual prehispánico con las celebraciones católicas del día de Los Fieles Difuntos (2 Nov) y Todos Santos (1 Nov).


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El cempasúchil es cultivado, en México, principalmente en los estados de Chiapas, Estado de México, Morelos, Puebla, San Luis Potosi, Sinaloa, Tlaxcala, Oaxaca y Veracruz.

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A principios de noviembre, estos estados se revisten en tonos naranjas y amarillos; y perfuman sus aires con la fragancia de las ánimas. Un aroma que va más allá del plano terrenal y logra mezclarse con el plano del los que han trascendido a los mundanos, un perfume que de nostalgia por aquellos que nos han antecedido.

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La labor del cultivo y la recolecta de la "flor de muertos", no sólo es un placer visual sino un tributo a la tradición ancestral de honrar a la vida a través de la muerte.

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Es el trabajo de muchos campesinos que cada noviembre hacen fulgurar sus tierras, llenas de esta hermosa flor; este es el caso de éste hombre que con la humildad, el corazón y la entrega de una persona del campo, ha generado una maravillosa composición visual y olfativa en los campos de Cholula, que se han llenado del perfume de las ánimas durante estas festividades mortuorias.


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miércoles, 20 de octubre de 2010

Imagen fotográfica: condición y relación con la realidad



Uno de los principales problemas sobre el tema de la imagen es abordar su relación con la realidad, pues al definirla como representación, se le han encontrado muchas caras que van desde la copia hasta el símbolo en toda su extensión. Lo mismo pasa con la fotografía, que al ser una imagen visual que se asemeja a la realidad; ha sido objeto de la misma controversia.

Por lo tanto, será necesario presentar aquellos conceptos con los que se le ha definido, para generar una noción propia a partir de la pregunta: ¿es la fotografía mímesis, huella, reflejo, memoria, analogía, abstracción o index de la realidad; del mundo?


Durante el renacimiento, la intención de la pintura era lograr una representación mimética de la realidad a través de imágenes naturalistas de las cosas; es decir entre más se acercaran a su referente de la realidad eran más valiosas (Zamora 303). Incluso algunos aparatos cercanos a la cámara fotográfica (como la cámara oscura) tuvieron como objetivo mejorar las técnicas para reproducir certeramente estas copias de la realidad.
Al fin, el surgimiento de la cámara le dio solución a este problema generando incertidumbre con el futuro de la pintura, que se veía amenazada por el nuevo aparato.

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El nacimiento de la fotografía siempre se ha percibido dividido por la lucha entre una creación francesa y una inglesa. Por parte de los francos se encuentra Nicéphore Niepce (1816) como iniciador de las investigaciones, pero sin tener éxito para la fijación de la imagen. Más tarde, Louis Daguerre (1839) retoma estos estudios y patenta sus daguerrotipos como imágenes únicas fijadas en una plancha de cobre con emulsión de plata. Por la parte inglesa, Fox Talbot (1839) realiza interesantes cambios, pues las impresiones que realiza son sobre papel emulsionado con sales de plata, del cual se podían realizar varias copias.

La distinción esta en que el enfoque francés, se basaba en el uso de la luz para generar una reproducción directa, sobre las placas metálicas, de la imagen que se estaba plasmando. Y el enfoque ingles, estaba basado en la reacción fotogénica de la luz sobre el papel fotosensible, para obtener la huella del objeto interpuesto entre la luz y dicho papel.


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Ambas posturas son similares a la noción de huella que propone Jaques Aumont: Una superficie fotosensible, expuesta a la luz, será transformada por ella, provisional o permanentemente. [...] La fotografía empieza cuando esta huella se fija más o menos definitivamente, se finaliza con vistas a cierto uso social (Jaques Aumont 1992 La imagen 173). Ciertamente se trata de una imagen producida físicamente sin embargo, lo interesante, es el uso social; que al cabo, será la mirada interpretadora tanto de quien la toma como de quien la interpreta.

El hecho de querer generar una imagen, en este caso fotográfica, como medio de acercamiento a la realidad, generó un extensión hacia el campo del pensamiento. En primer lugar se encuentra la consideración, de Locke y Hume, de la mente como receptáculo de las ideas; lo cual derivará en la consideración de las imágenes como reflejo de las cosas; y por ende, en la noción del pensamiento como reflexión (Zamora 304).
Ahora, la imagen pasa del campo de la mímesis, la huella y el index; y se concibe como reflejo objetivo de la realidad y del pensamiento.

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En segundo lugar, se equipara a la fotografía como un almacenador que funciona como el de la memoria (humana), es decir la mente.

La fotografía es un signo que, efectivamente, requiere para su consecución una relación de causalidad física con el objeto. El objeto se representa a sí mismo mediante la luz que refleja. La imagen no es más que el rastro del impacto de esa luz sobre la superficie fotosensible: un rastro almacenado, un rastro-memoria. (Fontcuberta 1997 El beso de Judas 78).

Aquí la fotografía es una manera de no olvidar, de mantener presente aquello que ya ha pasado y hacerlo vigente a través de su imagen, su referente tangible; la impresión fotográfica.

Más tarde la imagen fotográfica adquirió una nueva concepción en la que se habría de constituir de datos visibles (signos); que, en un primer momento, se articularía como los demás conceptos, ligando a la imagen con la realidad.


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Esta es la idea de Roland Barthes quien menciona que entre la escena y la fotografía hay una relación analógica, pues asegura que entre imagen y su referente real, hay una relación pura; [...] entre los dos ámbitos no media un código, se restituye una relación de causalidad: los haces lumínicos penetran en la cámara y marcan una superficie fotosensible[...] (Lizarazo 190).

De igual forma se encuentra una semejanza con la propuesta de Duboise, quien afirmaba que antes y después del acto fotográfico ocurrían convenciones sociales. Sin embargo, centrándose en el momento justo de la impresión de la luz en el soporte fotosensible, se producía un index; es decir la conexión signica, en tiempo y espacio, de los datos sensibles con su referente de la realidad (Ana Paula Martínez 2003 Memorias: fotografía pictórica Tesis de Licenciatura 9).

La necesitad del sentido dio pie a encontrar diversidad en la imagen y no sólo a encasillarla en la representación realista. Por lo que los datos sensibles de las imágenes, ahora necesitaban de una lectura con base en la experiencia previa de quién los lee (Turbayne en Zamora 306), después se condujeron hasta la noción del símbolo y finalmente a la posibilidad de concebir una imagen como presencia, donde las palabras sobran ante la inefabilidad del diálogo con ésta.


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[…] la naturaleza de la imagen antecede al montaje del universo humano: ese instante inefable y efímero del “disparo” (de la obturación), en el que son la luz y la superficie quienes destellan la imagen, donde la gramática ya no puede penetrar. Ese momento de silencio, ese tramo sin lengua, no es algo menor, no es un trazo adyacente, es el punto clave, la cuestión esencial que define lo que llamamos “fotografía” (Lizarazo 191).

Con base en las concepciones anteriores, éste texto, define a la fotografía como el acto humano, físico e intelectual por medio del cual se captan y se abstraen las imágenes de la realidad. En éste, el fotógrafo elige, discrimina lo que mira y le roba el momento al tiempo para perpetuarlo a través de su cámara; dándole expresión física, en el papel fotosensible o en la digitalización, a aquella abstracción que se convierte en huella analógica y reflejo de la realidad.

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Referencias bibliográficas:


sábado, 25 de septiembre de 2010

"El gusto es la facultad de juzgar un objeto o una representación mediante una satisfacción o un descontento, sin interés alguno. Se llama bello al objeto de semejante satisfacción".
Kant


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jueves, 19 de agosto de 2010

El arte: de sólido a líquido



El arte se ha entendido, desde sus orígenes griegos, como la búsqueda de la belleza ideal mediante la mímesis, la búsqueda de la imitación de la naturaleza.

Pero al paso del tiempo; las transformaciones políticas, sociales y culturales han llevado a que el arte haya dejado de crearse y apreciarse bajo los mismos parámetros.

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La ruptura de paradigmas y cambios en la concepción del arte han resultado drásticos para algunos autores, por ejemplo A. Danto, quien en su libro "Después del fin de arte" (2005), hace referencia al fin del éste en el momento en el que se dejaron de producir obras apegadas a la formalidad de la academia; en las que el autor buscaba generar nuevas propuestas estéticas y por lo tanto, nuevos sentidos simbólicos.
Por su parte, Baudrillard menciona que el arte es como un cáncer en el que los elementos no producen, ni comunican nada más que los propios elementos de la cultura (Jean Baudrillard 1995 La transparencia del mal). Ya no hay nada nuevo bajo el sol y en realidad todo es un refrito, una creación a partir de elementos culturales desgastados.


Sin duda la posmodernidad dio pie a la mezcla y experimentación entre disciplinas y técnicas para la apropiación de los elementos y la concepción de nuevos universos de significación.

La globalización y el creciente poder de los medios de masivos de comunicación han generado cambios sociales que a fin de cuentas tienen un impacto directo en el arte; pues desde el momento en el que se generan las sociedades de la información, el término cobra sentido para la producción del arte. Ya que ahora, lo que importa es lo que la obra comunica, el concepto; ya no el soporte que la contiene.


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Ha llegado la modernidad liquida, concepto que “puede definirse como un estado que anula las importantes dualidades que definieran el marco de la antigua y sólida modernidad: la oposición entre artes creativas y destructivas, entre aprender y olvidar, entre ir hacia delante y retroceder. La flecha del tiempo ya no tiene punta: tenemos flecha pero sin punta” (Zigmunt Bauman 2007 Arte liquido 41).
El mundo comienza a fluir en este sin sentido, las cosas no tienen una causa especifica, simplemente fluyen en el caos ordenado de la producción cultural, hacia una fugacidad perenne donde nada permanece estático.

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Bajo estas condiciones, en la segunda mitad del siglo XX surge el denominado arte de los nuevos medios, que actúo en respuesta a la revolución de las tecnologías de la información y la digitalización de diversos modelos culturales.

Desde ahora la producción artística pierde su soporte sólido para licuarse con los pixeles y los bits, de técnicas retomadas del videoarte, en suma a nuevas propuestas digitales a partir del ordenador.
“Los artistas de la era líquidomoderna [...] se centran en acontecimientos pasajeros: acontecimientos de los que, de entrada, se sabe que serán efímeros. Saben el arte como acontecimiento, no ya el arte como obra”. (Bauman 42).

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Nada es trascendente, toda creación nace desahuciada (por el flujo continuo); por lo tanto todo es permisible, las fronteras han quedado casi anuladas y al parecer cualquier cosa que retome los elementos de la cultura es susceptible de ser estetizada. Y gracias al poder de la industria en conjunto con el reconocimiento social (consumo), estas producciones serán colocadas en el mercado del arte (Baudrillard 1995).

De aquí que el objeto artístico se haga plural, pues ya no es necesario ser artista de formación; como menciona Casacuberta, el espectador traspasa la frontera cada vez más para estar de lado del creador (2003 Creación colectiva). Y un claro ejemplo de ello es la labor del diseñador quien logra ubicar su trabajo en la esfera del artista.


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Es innegable que estamos inmersos en una paradoja donde vemos transcurrir el todo y la nada a la vez; y donde la vida no se resume sino se prolonga en un ejercicio cotidiano de fugacidad. Sin embargo, hay quienes se ubican del lado de la pasiva expectación del fluir y otros que deciden subirse a la corriente de la creación; a la producción de éstos segundos se le ha llamado creación colectiva.


Casacuberta en su libro “Creación colectiva” propone que con el paso del tiempo y el creciente uso de las tecnologías de la información y comunicación, la creación colectiva ha sido un giro de tuerca para producción artística.
Y aunque esta propuesta apunta hacia el tan criticado reciclaje de los elementos de la cultura que mencionaba Baudrillard; ahora se trata de que en vez de que cada individuo genere un objeto estético individual, alguien más retome ese objeto y genere uno nuevo; citando al autor del primero. De esta manera, este nuevo producto pasará por una gran cantidad de manos, obteniendo como resultado creaciones originales a partir de un primer objeto, que ha sido manipulado por la colectividad.

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Ahora es notoria la liquidez del arte, pero en este momento a casi nadie le pasa por la mente dónde quedó el lienzo o el caballete. Y no es que el arte contemporáneo no use estos soportes sino que, simplemente, ya no es relevante.
El arte ha pasado de sólido al líquido y sigue cambiando de estado.

En conclusión, es importante tener presente que el paradigma de la información esta vigente, el arte comunica y al igual que el lenguaje y la cultura esta vivo. Por lo tanto, el arte cambia, se transforma y muta constantemente. Definitivamente nunca va a ser concebido bajo los mismos parámetros con que fue concebido en los diferentes periodos de la historia, pero no por eso significa que sus diferentes formas deban dejar de ser arte, o si? El debate sigue abierto…

domingo, 20 de junio de 2010

Transestética y Construcción




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“Transestética” es el término que emplea J. Baudrillard para hacer referencia a una era en la que el arte como una ilusión generadora de nuevos sentidos simbólicos, ha muerto; y se ha convertido en un cáncer en el que no hay nada nuevo bajo el sol.
Ahora todo es susceptible de ser estetizado, ya que todos los elementos del arte no producen ni comunican nada más que los propios elementos de la cultura.


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Bajo este orden de ideas, parece que todos los fotógrafos tenemos un poco del Roberto Michel de Cortazar (Las babas del diablo): somos traductores de nuestras realidades en imágenes y nos apasiona contarlo casi todo para aliviar esa cosquilla que nos produce la transestética del mundo. Seccionamos el tiempo y abstraemos los instantes dándole muerte a la acción, pero mucha vida a las posibles historias que se desprenderán de ese fragmento al ser interpretado.


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No podemos negar ese lado vouyerista que nos lleva a transgredir la intimidad de los espacios o la vida ajena en busca de una serie de tomas que, al ser expuestas, logren el diálogo con el espectador y lo inviten a hacer sus propias historias.

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Y si bien es cierto que somos manipuladores del tiempo, el espacio y en cuestiones técnicas, hasta del contexto; no todos queremos guiar la contemplación hacia un sólo desenlace interpretativo. Por el contrario, a pesar del uso y rehuso de los elementos culturales existentes, somos constructores del mundo.
Somos generadores de imágenes que quedan abiertas para ser completadas a través de cada distinta interpretación y por lo tanto generadores de diversos universos simbólicos.

martes, 8 de junio de 2010

Obra abierta



Generalmente en la “obra de arte” van implícitos dos aspectos: a) el autor da conocimiento a un objeto determinado y definido, con una intención concreta, aspirando a un deleite que la reinterprete tal como el autor la ha pensado y querido; b) sin embargo el objeto es gustado por una pluralidad de consumidores, cada uno de los cuales llevará al acto del gustar sus propias características psicológicas, fisiológicas, su propia formación ambiental y cultural, esas especificaciones de la sensibilidad que entrañan las contingencias inmediatas y la situación histórica; por consiguiente, por honesto y total que sea el compromiso de fidelidad con respecto a la obra que ha de gustarse, todo deleite será inevitablemente personal y captará la obra en uno de sus aspectos posibles (Eco Obra abierta 1980, 449).




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La limitación de un "objeto" viene sustituida po la más amplia limitación de un "campo" de posibilidades interpretativas (Eco Obra abierta 451).

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"Indeterminación" [...] obras que se presentan al lector o espectador no totalmente producidas ni concluidas, cuyo goce consiste en la conclusión productiva de las obras; conclusión productiva en la se agota también el mismo acto de la interpretación, porque la forma de la conclusión muestra la especial visión que el espectador tiene de la obra (Eco Obra abierta 452).


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